Тренды в дизайне логотипов 2012 (часть I)

Дизайнеры в очередной раз открыли книгу по истории искусств и начиная с эпохи средневековья решили вновь пройти путь эволюции дизайна, останавливаясь на классических примерах разных эпох, развивая и совершенствуя их по новому. Геральдический стиль, львы и единороги, завораживающие вензеля и воздушная каллиграфия, как и раньше считаются стилем с богатой историей, несущим за собой аристократическую эстетику. По прежнему дизайнеры ищут вдохновение в лаконичных эмблемах старых торговых марок Америки XX века, поражающих многообразием рукописных шрифтов и графичных иллюстраций сделанных на скорую руку, отражающих эпоху своего времени, зарождение основ фирменного стиля, современных рыночных отношений и рекламы в целом. Сегодня дизайнеры создают геометрические метаморфозы и оптические иллюзии, искусно применяя примеры пионеров оптического искусства. Вновь пролистывают страницы французского журнала AMG или скандинавского журнала «Форма и функция», не обходя вниманием и Советский журнал «Техническая эстетика», вдохновляясь типографскими текстурами и геометрически выверенными композициями. Как и раньше вектор движения современного дизайна направлен на внешнюю красивость, простоту формы, экономность и комфорт.

Помимо дизайн-икон, воплотивших в себе эстетические идеалы определенного исторического периода, технические и художественные идеи своих создателей, особое значение в описании истории дизайна имеют художественные стили. В равной степени это относится и к стилям в истории дизайна, объединяющим по определенным формальным признакам в уникальные целостные художественные течения и направления. Структура понятия «стиль» выделяет ряд его уровней: исторический художественный стиль, историко-региональный или стилистическое течение и индивидуальный стиль мастера. Аналогичное можно наблюдать и в истории дизайна. Стили в дизайне как части общей художественной культуры корреспондируются с большими историческими художественными стилями в искусстве. Достаточно вспомнить также общие художественные стили, как ар деко, поп-арт, постмодерн или хай-тек. При этом в предметном формообразовании они, безусловно, трансформируются в свои стилевые течения, отражая специфику формообразования массовых изделий в условиях индустриальных технологий.

Мозаикой считается декоративно-прикладное и монументальное искусство разных жанров, произведения которого подразумевают формирование изображения посредством компоновки, набора и закрепления на поверхности разноцветных камней, смальты, керамических плиток и других материалов.

История мозаики восходит ко второй половине 4 тысячелетия до н. э. — времени, которым датированы постройки дворцов и храмов шумерских городов Месопотамии: Урука, Ура, Эриду. Мозаика составлялась из обожженных глиняных палочек-конусов, которые укладывались на глиняный раствор. Изображение формировалось из торцов этих конусов, которые раскрашивались, обычно красным, черным и белым. Использовались геометрические мотивы: ромб, треугольник, зигзаг.

Первые античные мозаики из необработанной гальки найдены в Коринфе и датированы концом 5 в. до н. э. Это контурные изображения людей, животных, мифологических существ, декорированные геометрическим и растительным орнаментом, выполненные обычно белым по черному, стилистически близкие краснофигурной вазописи. Подобные образцы 4 в. до н. э. найдены также в Олинфе, Сикионе, Эретрии. Важный шаг к реалистичности был сделан в мозаиках Пеллы (кон. 4 в. до н. э.)

Расцвет античной мозаики приходится на эпоху эллинизма, когда появляется техника подколки камешков и становится доступным цветное стекло, что позволяло достигать живописной реалистичности изображений и использовать практически неограниченную цветовую гамму. Древнейшим памятником, где была использована техника подколки или тесселирования, считаются мозаики сицилийского города Моргантина (3в. до н. э.). В Древнем Риме мозаикой выкладывались полы и стены вилл, дворцов и терм. Римская мозаика делалась из маленьких кубиков очень плотного стекла — смальты, однако нередким было использование мелких камешков и гальки.

В средневековой Европе В качестве материала для мозаики стали широко применялись раковины морских моллюсков. Такими мозаиками украшали интерьеры. В Европе в этот период получила распространение мода на мозаики из бисера. Бисер вкладывали по воску на бумагу, картон, пользуясь схемами для вышивки крестом.
Мозаика очень широко использовалась в оформлении дворцов правителей Востока. Дворец шекинских ханов является выдающимся произведением средневековой архитектуры Азербайджана.

На Руси мозаика появляется с принятием христианства, но не получает распространения из-за дороговизны импортируемого из Константинополя материала. Возрождением мозаики в России занимался М. В. Ломоносов. Однако, мозаичное дело Ломоносова не получило продолжения после смерти своего создателя. Искусство мозаики было вновь забыто. Поэтому, в 1840-е годы, когда стал вопрос о переводе живописных икон для Исаакиевского собора в мозаику, русскому правительству пришлось командировать выпускников Императорской Академии художеств в Рим — учиться у мастеров Студии мозаики Ватикана. С другой стороны, из Рима в Петербург для организации производства смальт были приглашены технологи-стекловары.

Рассвет отечественной мозаики пришелся на эпоху СССР, когда каждый фасад Дворца пионеров или Дома культуры должен был украшен государственной символикой того времени, тружениками колхозов или покорителями космоса.

В современном искусстве развивается такой вид автохтонного искусства как мозаика племени Уичоли (Huichol). Она представляет собой редкую разновидность мозайки по применяемогу материалу в которой применяется бисер. Уичоли это название племени дали испанские завоеватели, на местном диалекте имя племени переводится, как «настоящие люди» – индейский народ проживающий в западной и центральной Мексике. Антрополог Роберт Зингг назвал уичолей «племенем художников». Формы художественного выражения уичолей отражают их религиозные верования, которые воплощаются в их искусстве. Уичоли занимаются ткачеством, вышивкой, узорным плетением, бисерным рукоделием, росписью, выделкой кожи, изготавливают луки и стрелы, а также музыкальные инструменты. Однако для уичолей это не просто форма эстетического выражения или изготовляемые на продажу сувениры.

Символизм картин, их психоделические цвета имеют источником их культуру и религиозные традиции шаманизма. Ключевым пунктом традиционной религии уичолей является пейотль, туземное название растения и приготовляемого из него напитка. Известен, прежде всего, благодаря веществу мескалин, содержащемуся в мякоти стеблей дикорастущих.

Сегодня довольно часто можно встретить логотипы с использованием мозаики или пиксельной графики, помимо своей красоты, которая радует глаз, такие логотипы несут концепцию многогранности, точности и кропотливости.

Акварельная техника стала развиваться в Китае после изобретения бумаги во II веке нашей эры. В XII—XIII веках бумага получила распространение в Европе, прежде всего в Испании и Италии. Предшественницей акварельной техники в Европе была роспись по сырой штукатурке (фреска), позволявшая получать сходные эффекты.

В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других видов живописи. Из первостепенных художников Ренессанса значительный след в акварели оставили Дюрер, чей «Заяц» стал хрестоматийной работой, затем акварели отдали дань Антонис ван Дейк, Клод Лоррен и Джованни Кастильоне, последнему приписывается изобретение техники монотопии*. Однако эти примеры оставались единичными вплоть до рубежа XVIII—XIX веков, так что даже в 1829 году Пайо де Монтабер в «Полном трактате о живописи» упоминает об акварели вскользь как об искусстве, не заслуживающем серьёзного внимания.

В то же время техника с использованием ослабленных контуров и растушёвки кистью широко применялась, особенно в XVIII веке, участниками научных и военных экспедиций для зарисовки археологических и геологических объектов, растений, животных, при раскраске архитектурных и топографических планов: первоначально употреблялась китайская тушь, затем тушь с лак-кармином, сепия, а затем и другие водяные краски.

В середине XVIII века рисование водяными красками сделалось популярным видом досуга для не профессионалов: распространению этого развлечения особенно способствовали публиковавшиеся в 1780-е гг. и воспевающие красоту английской глубинки путевые дневники Уильяма Гилпина, которые он снабдил собственными иллюстрациями. В результате на рубеже XVIII—XIX века усилиями сперва Пола Сэндби, затем Томаса Гёртина и наконец, прежде всего, Джозефа Тёрнера акварель превратилась в едва ли не важнейший вид английской живописи — в 1804 г. было основано Общество акварелистов (англ. Society of Painters in Water Colours).

* Яркий пример монотипий – пятна Роршаха, известный психодиагностический тест для исследования личности. Он был создан швейцарским психиатром и психологом Германом Роршахом в 1921 году, и состоит из десяти цветных и чёрно-белых монотипий. Человеку предлагают взглянуть на чернильные кляксы и по-своему их интерпретировать. В этом тесте не существует неправильных ответов – но на основе ответов психолог может довольно точно представить себе особенности душевной организации испытуемого. Изображённые на карточках фигуры на самом деле не отображают ничего конкретного – они лишь служат стимулами для свободных ассоциаций, то есть первых слов, идей или образов, которые приходят в голову.

Акварель и на сегодняшний день остается вне времени, не теряя своей актуальности, как и в далекие времена, поражая своей живописной пластикой, красочностью и легкостью подачи.

Европейская каллиграфия развивалась в русле греко-римского письма, классические образцы которого, используемые до сих пор, разработаны ещё в античности. Ранние алфавиты появились в третьем тысячелетии до нашей эры. Появление христианства дало толчок искусству каллиграфии на Западе, ввиду того, что необходимо было копировать в больших количествах Библию и прочие религиозные тексты.

Наибольшего расцвета искусство каллиграфии достигло в VII—IX веках в Ирландии и Шотландии, где монахи создавали иллюминированные Евангелия — шедевры средневекового искусства.

Каллиграфия получила совершенно своеобразное развитие в странах идеографического письма таких как Китай, Корея, Япония а также и в странах исламского мира. В Восточной Азии для каллиграфии обычно используются тушь и кисточки для письма. Каллиграфия в Восточной Азии считается важным искусством, утончённой формой живописи. Каллиграфия оказала влияние на некоторые стили живописи, использующие похожую технику, такие как Суми-э в Японии и Китае.

Основу арабской каллиграфии составляет арабская письменность. Развитие арабской каллиграфии неразрывно связано с исламским искусством. Основой правила составления пропорции является размер буквы «алиф», первой буквы арабского алфавита, которая представляет собой прямую вертикальную черту. Единицей измерения в каллиграфии считается арабская точка, она, можно сказать, основной рабочий элемент мастера. Высота алифа составляет от трех до двенадцати точек, в зависимости от стиля и индивидуального почерка каллиграфа. Ширина алифа равна одной точке. Алиф также служит диаметром воображаемого круга, в который можно вписать все арабские буквы. Таким образом, основу пропорции составляют три элемента, размер которых устанавливает сам мастер — это высота и ширина алифа и воображаемый круг.

Каллиграфию часто называют искусством красивого письма. Современное определение каллиграфии звучит как искусство оформления знаков в экспрессивной, гармоничной и искусной манере. Современная каллиграфия довольно разнообразна — от бытовых рукописных надписей на открытках до высокого искусства, в котором экспрессия написанного рукой знака не всегда рождает четкие буквенные формы.

Сейчас каллиграфия существует в основном в форме пригласительных открыток и свадебных поздравлений, а также в граффити, графическом дизайне, шрифтах и рукописных логотипах, по-прежнему приводя в восторг своим разнообразием и пластичнностью начертаний.

Леттеринг это графический рисунок начертаний букв и знаков, составляющих единую стилистическую и композиционную систему, набор символов определенного размера и рисунка, другими словами это разработка новых шрифтов под конкретный фирменный стиль или шрифтовую композицию.

Сложно сказать, являлся ли финикийский алфавит первым фонетическим алфавитом в мире, но именно он, появившись на свет около трёх тысяч лет назад, дал начало практически всем алфавитным системам — греческой, латинской, славянской и другим, существующим на сегодняшний день. Греки усовершенствовали финикийский алфавит, введя в него гласные звуки-литеры. Знаки литеры его очень простые, имеют чёткие линии одной толщины, и состоят из простых геометрических форм — круга, треугольника, отрезка. Древнегреческий алфавит стал первым алфавитом в Европе. В VI веке появляется новый стиль письма — унциал. Литеры этого шрифта характеризовались выступом концов за пределы верхних и нижних линий ряда. Развитие данного шрифта является полуунциал. Этот период стал переходным от маюскульного письма к минускульному.

В XI—XII веках развивается готическое письмо. Готический шрифт имеет множество разновидностей по характеру начертания: текстура, бастарда, ротунда, декоративный, ломбардские версалы, а позже фрактура. Круглоготический, швабский шрифт стал переходной формой к письму эпохи Возрождения. В это время возростает внимание ко всему античному, копии античных текстов переписывают шрифтом, получившем название «антиква». В это же время появляются первые трактаты про строение литер на основе квадрата, его диагоналей и вписанного в квадрат круга. Автор трактата Лука Пачоли. Позднее Жоффруа Тори написал трактат «Цветущий луг», литеры которого построены в квадрате, со сторонами, поделенными на 10 частей, как и Альбрехт Дюрер разработал свой шрифт, литеры которого также вписывались в квадрат.

В XV веке типографы были изготовлены новые печатные шрифты. Среди пионеров были Альбрехт Дюрер, Николя Жансон, Альд Мануций и Клод Гарамон. Шрифт Гарамона стал основой для множества современных шрифтов. В XVIII веке, наряду с европейскими начинают развиваться и русские шрифты, которые до этого развивались самостоятельно, имели греческую основу и назывались кириллица и глаголица.

Самые древние шрифты — устав и полуустав — выполнялись со всей строгостью и чёткостью, следуя правилу — уставу — от чего и пошли их названия. С развитием письменности появилась скоропись, которая отличалась быстрым, свободным стилем, с росчерками, петлями, выходящими далеко за границы рядов. Скоропись становится искусством каллиграфии XVII веке, ей писались грамоты и официальные документы. Новый книжный гражданский шрифт был утверждён Петром I и введён в 1708 году. Он был чёткий, округлый и рациональный — некий синтез традиционных шрифтов и антиквы.

На рубеже XVIII—XIX веков в искусстве шрифтов произошли значительные изменения — появились новые разнообразные шрифты для разных потребностей (книг, газет, плакатов, афиш, рекламы). Был разработан новый шрифт — египетский, который отличался одинаковой толщиной всех линий и засечек. Немного позже появился шрифт гротеск (рубленный), линии литер которого были одинаковой толщины, но засечек не имели. Было разработано целое семейство гротескных шрифтов. ХХ век породил новые гротескные и рубленые шрифты, которые подчёркивали новый стиль в архитектуре и искусстве — конструктивизм. Среди новых шрифтов пользуются популярностью футура Поля Реннера, пеньо Кассандра, эрбар-гротеск Якова Эрбара и гилл-гротеск Эрика Гилла.

В своей известной работе «Типографика» швейцарский типограф и графический дизайнер Эмиль Рудер обращает внимание на то, что шрифты могут быть связаны с языком их создателей: «Шрифт Гарамон связан с французским языком, Кезлон — с английским, а Бодони — с итальянским. Любой из этих трех шрифтов, употреблённый в наборе на другом языке, может понести ощутимый эстетический урон. Например, Бодони, примененный в немецком наборе,— уже не тот шрифт; картина иностранного текста, пестрящего прописными буквами, ему противопоказана. Любовь к созданию буковок по прежнему тревожит сердца, теперь уже графических дизайнеров, заставляя придумывать все более изощренные варианты визуальных решений и композиций.

Зарождение гербов, связывают с событием смены военного снаряжения в эпоху средневековья, с появлением нового снаряжения на поле боя стало сложно распознавать своих и чужих, это и послужило началом традиции расписывать щиты, которые чаще всего имели миндалевидную форму, различными фигурами, которые вскоре превратились в опознавательные знаки и стали ассоциироваться с конкретными личностями. Вскоре после зарождения геральдики она распространилась на все средневековое общество.

Изначально гербы использовались только крупными сеньорами, позже тренд распространился на знатных дам, стали появляться первые городские гербы, затем мода распространилась на духовных лиц, ремесленников и даже крестьян. Гербы можно встретить на церковных стенах, витражах, церковной утвари и одежде священнослужителей. Существенную роль в распространении геральдики сыграли рыцарские печати, которые имели аналогичную символику, что и герб ее владельца и наносились на все документы, карты и гравюры, а также детали гербовых изображений наносились на детали амуниции, знамена, попоны и вальтрапы лошадей, всю прелесть своей айдентики рыцари демонстрировали на рыцарских стартапах и стратегических брифингах.

Появление геральдики совпало с эпохой средневекового мистицизма, когда в элементарных вещах пытались разглядеть скрытый смысл, некое божественное откровение, цветам, как и другим геральдическим элементам, начали придавать конкретное символическое значение, именно тогда и зародилась традиция вкладывать скрытый смысл и красивую легенду в значение фирменного знака.

В России геральдика была заимствована из Западной Европы при непосредственном влиянии польской геральдики во второй половине XVII века. В 1672 году появились первые сочинения, которые представляли собой собрания гербов – «Титулярник». По указу Петра I, в 1722 году была создана Герольдия, позднее при Петербургской Академии наук была учреждена кафедра геральдики. С 1797 года начал составлятся «Общий гербовник дворянских родов Российской империи», включающий в себя около 5 тысяч гербов.

На сегодняшний день ситуация мало чем изменилась, геральльдику как и в былые времена довольно часто можно встретить и в повседневной жизни: на фасадах зданий, на информационных стендах в районах муниципального значения, в городских и республиканских эмблемах нашей необъятной родины.

В России после советского времени, когда мода на геральдические эмблемы сменилась гербами с серпом и молотом, вновь стал появлятся спрос на фамильные гербы и стильные монолитные эмблемы с использованием классических элементов стиля.

Это направление берет свое начало с торговых марок Америки начала прошлого века. Началось все с промышленной революции XVIII века. Новый машинный способ производства в результате промышленной революции заменил собой старый кустарный, ремесленный и к середине XIX века вытеснил его практически полностью. Но кустарный способ производства существовал века, и со старыми приемами и традициями не так-то легко было расстаться. Люди, на протяжении долгих столетий украшавшие продукты своего труда орнаментом и всевозможными декоративными элементами, хотели, чтобы и теперь предметы, созданные ими совершенно новым, машинным способом, были красивы. Современность требовала создания нового стиля — нового символистического языка художественных форм. Среди множества богато декорированных предметов уже в начале XIX века появляются и объекты, вообще лишенные декора как такового. К ним в основном относились объекты промышленного, научного, спортивного оборудования, музыкальные инструменты, впоследствии и средства транспорта.

Многие дизайнеры, задействованные ранее в театре или рекламном бизнесе, во времена Великой Депрессии были вовлечены в процесс создания нового направления дизайна для рынка, хотя еще и небольшого, однако, насыщенного конкурентными продуктами и услугами.

Одним из Первопроходцев графического дизайна того времени был Эдвард Пенфилд (1866 -1925), который предложил новый вариант модерна, более подходящий убыстряющемуся ритму жизни в XX веке: никаких орнаментов и выверенных линий, рисунок строится на мягких локальных пятнах, обведенных неровным контуром. Работы похожи на быстрые зарисовки, схватывающие мгновение и потому являющиеся документальными свидетельствами эпохи.

Безграничное множество рукописных шрифтовых композиции и многообразие ретро образов набросанных на скорую руку вновь приобретают популярность в наше дни, передавая дух времени зарождения марки «Coca-Cola», когда еще она не была лишена своего главного брендированного компонента.

Упадок в архитектуре и прикладном искусстве середины XIX века перешел в 90-х годах в глубокий кризис всего художественного производства. Центром обновления архитектуры, ремесла и промышленной продукции в это время становится Германия, быстрое техническое развитие которой дало необычайный стимул развитию самосознания ведущих буржуазных слоев и способствовало консолидации общественности страны. Чувственно-романтическое отношение к вещи было потеснено началами рационализма, простоты. удивительно единое мнение, что поворот можно совершить лишь путем сознательного тесного сотрудничества художников и промышленников усиленный интерес к естественной красоте материала и его подчеркнуто эстетическому использованию.

Новые тенденции продемонстрировала выставка 1897 года в Мюнхенском Glaspalast, руководящим принципом которой была функциональность. А уже выставка 1901 года «Немецкое искусство» в Дармштадте ознаменовала отказ от модерна и поворот к более «деловому» оформлению с некоторым оттенком «люкса», вызвавшим много споров. Принцип целесообразности, обоснованный еще в 1860-х годах Земпером и развивавшийся Виолле-ле-Дюком в его «Беседах об архитектуре», начал, наконец, многими трактоваться как эстетический. III Всеобщая выставка немецкого прикладного искусства, открывшаяся в 1906 году в Дрездене, где принципиально новым было разделение прикладного искусства и промышленного дизайна. Выставка имела большой успех, и под ее влиянием произошло объединение мастерских Дрездена и Мюнхена в единые Немецкие мастерские прикладных искусств и ремесел. Основной целью Мастерских было создание конструктивной и функциональной продукции, выразительной прежде всего своей формой. По общему мнению, именно эти два события послужили толчком для оформления новой организации, необходимость которой ощущалась уже давно, и не только художниками. Очевидно, промышленность и независимые художники начали понимать друг друга.

Итак, 7 октября 1907 года в Мюнхене состоялось заседание, объявившее об образовании Немецкого Веркбунда. Объединение было создано Инициативным комитетом из двенадцати художников (архитекторов и «прикладников») и двенадцати фирм, выпускавших в основном художественную продукцию. Позиции художников в вопросах искусства были совершенно различны. Их объединяла задача повышения художественно-эстетического качества продукции промышленного производства, мечта о единой архитектонической культуре, свободно использующей возможности массового машинного производства. Проект программы объединения гласил: — способствовать плодотворному сотрудничеству искусства, ремесла и промышленности и повышению качества изделий; — сплотиться во всех вопросах, волнующих художников и ремесленников; — обязать самих членов союза к достижению высоких результатов в работе; — проводить мероприятия по подъему представлений о хорошем качестве продукции; — влиять на воспитание молодежи, прежде всего — ремесленных сил; — влиять на торговлю, систему финансирования и ведение дел.

До 1918 года Немецким Веркбундом практически руководили три его создателя: Герман Мутезиус, Карл Шмидт и Фридрих Науман, и их ближайшие друзья — Рихард Римершмид и Фриц Шумахер.

В 1919 году была открыта немецкая школа дизайна Баухауз, высшая школа строительства и художественного конструирования - художественное учебное заведение и художественное объединение в Германии (1919-1933), давшее искусству 20 в. много замечательных идей и ряд выдающихся деятелей, которая во главе с первым директором Вальтером Гропиусом (1883-1969), отстаивала принципы функционализма и необходимости синтеза всех искусств.

Девиз Баухауза: “Новое единство искусства и технологии”, воспитывающий художника, ремесленника и технолога в одном лице. Новая философия их дизайна оказало глубокое влияние на прикладное и изобразительное искусство, от книжного иллюстрирования и рекламы до мебели и кухонной утвари. Для преподавания в Баухауз приглашались в основном художники, придерживающиеся авангардных взглядов на искусство - Пауль Клее, Ласло Мохой-Надь, Оскар Шлеммер, Василий Кандинский, Йозеф Альберс и др. Они заложили модернистский взгляд на дизайн, который продержался до 60х годов XX столетия. Примером графического дизайна модернизма является эмблема Баухауза, разработанная О. Шлеммером в 1921-22 годах.

Кроме того Баухауз, совместно с институтом психологии проводил исследования на предмет воздействия цвета на психологию. Результатом исследования являются цветные моющиеся обои. Баухауз оказал сильнейшее влияние на многие стороны современной художественной культуры: на развитие художественно-проектного конструирования, дизайн, средовой подход в архитектуре, да и на принципы современного художественного мышления в целом.

Продолжение статьи: Тренды в дизайне логотипов на 2012 (часть II)